Edizioni

panorama queer / 13 maggio 2024

Bold Eagle

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Intrappolato a casa con delle droghe allucinogene e il suo gatto parlante, Bold cerca rifugio tra le forti braccia di strani uomini di Internet che si masturbano per raggiungere la vera felicità.
Con il suo personaggio confinato in casa, Bold Eagle fa rivivere i ricordi della reclusione durante la recente pandemia di Covid-19, quando solo gli schermi di computer e cellulari offrivano la possibilità di evasione sessuale e geografica. Il regista filippino Whammy Alcazaren propone un viaggio attraverso un montaggio di video e foto presi dal web, tra contenuti pornografici e scatti idilliaci delle Hawaii, per evocare condizioni di esistenza in cui il desiderio è suscitato esclusivamente dalle immagini digitali.

[eng]
Trapped at home with hallucinogenic drugs and his talking cat, Bold seeks refuge in the strong arms of strange men from the internet as they masturbate their way to true happiness.
With its homebound character, Bold Eagle revives memories of confinement during the recent Covid-19 pandemic, when only computer and cell phone screens offered the possibility of sexual and geographical escapism. Filipino filmmaker Whammy Alcazaren takes us on a journey through a montage of videos and photos from the web, between pornographic content and idyllic shots of Hawaii, to evoke conditions of existence where desire is aroused exclusively by digital images.

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panorama queer / 13 maggio 2024

The deep queer massacre

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Il viaggio di un gruppo di giovani ragazzi queer in una casa stregata in Normandia. The Deep Queer Massacre è un omaggio al genere, o meglio, ai generi cui si riferisce: c’è l’horror anni Ottanta, lo splatter, la violenza cruda e grottesca di Joe D’Amato mischiata alle volute goffagini e peripezie estetico-narrative della Troma. Un film artigianale e potente nella sua plasticità quasi rivoltante, che magnetizza a ogni visione; una dichiarazione d’intenti estetica e politica a quello che è il cinema: magia, rimaneggiamento, terrore e soprattutto sessualità e desiderio, in un mix geniale e visivamente febbricitante.

[eng]
A bunch of horny gay boys’ journey to a witch’s manor in Normandy. The Deep Queer Massacre is a tribute to the genre, or rather, to the genres to which it refers: there is 80s horror, splatter, the raw and grotesque violence of Joe D'Amato mixed with the deliberate clumsiness and aesthetic-narrative vicissitudes of Troma. An artisanal and powerful film in its almost revolting plasticity, which magnetizes at every viewing, an aesthetic and political declaration of intent on what cinema is: magic, rehash, terror and above all sexuality and desire, in a brilliant and visually feverish mix.

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panorama queer / 13 maggio 2024

Artistes en zones troublés

[ita]
Hervé Couergou diventa partner del regista Lionel Soukaz nel 1982, durante i dolorosi primi anni dell'epidemia di HIV/AIDS in Francia. Condividono gli amici, gli amanti, i momenti creativi, gli attimi di disperazione e di gioia, la vita. Attingendo ad un diario intimo di oltre 2000 ore di registrazione realizzato da Soukaz tra il 1991 e il 2013, Artistes en zones troublés racconta la storia di Hervé e Lionel, di come il loro rapporto diventa un rifugio in mezzo a una tempesta, e in particolare del genio poetico di Hervé, del suo spirito dandy, delle registrazioni musicali e delle pagine colorate dei loro taccuini.
Al di là dell’omaggio al compagno del regista, Hervé Couergou, figura centrale di tutte i video, il film mira a fabbricare il diario di un’epoca e non rinuncia alla vocazione di trasmettere e testimoniare, come con una fotografia, un momento storico ben preciso per le giovani generazioni.

[eng]
His lover since 1982, Hervé Couergou becomes filmmaker Lionel Soukaz's partner during the painful first years of the HIV/AIDS epidemic. They share friends, lovers, creative moments, instants of despair and joy, life. Artistes en zones troublés, from a diary by Soukaz that spans 2000 hours shot between 1991 and 2013, tells the story of Hervé and Lionel, how their relationship becomes a shelter in the middle of a storm, and in particular the poetic genius of Hervé, his dandy spirit, his music recordings and the colorful pages of his notepads.
Besides the homage to the director's partner, Hervé Couergou, the central figure of all the footage, the film aims to create the diary of an era and does not give up on its vocation of transmission and testimony, as with a photo, of a specific historical moment for the younger generations.

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panorama queer / 13 maggio 2024

Arancia Bruciata

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Nell’Italia del sud una comunità di donne si dedica a pratiche divinatorie risalenti all'antichità romana, come l'ornitomanzia e l'interpretazione dei fenomeni celesti. In mezzo a un paesaggio prevalentemente rurale, le "augure" ritratte da Clémentine Roy decifrano l’indizio dato dal volo di un uccello o il significato dei brontolii del temporale e si scambiano le informazioni con messaggi vocali sul cellulare.
Predizioni che risuonano piuttosto come descrizioni di un mondo desiderato in cui la lentezza e i gesti quotidiani si riappropriano dell'importanza ormai perduta. Un film che propone una nuova affascinante formula per vivere in armonia col cosmo, incapace di nascondere i conflitti evidenti di una modernità che si scontra con un mondo ancestrale e misterioso, ma capace di incuriosire su come sia possibile riscrivere il presente, o vederlo con occhi nuovi.

[eng]
In the south of Italy, a community of women devotes itself to divinatory practices dating back to Roman antiquity, such as ornithomancy and the interpretation of celestial phenomena. In the midst of a predominantly rural landscape, the "augurs" portrayed by Clémentine Roy decipher the clue given by the flight of a bird or the meaning of the rumblings of the storm and exchange the information with voice messages on their cell phones.
Predictions that resonate rather like descriptions of a desired world in which slowness and daily gestures reconquer their lost importance. A movie that suggests a new fascinating way to live in harmony with the cosmos, unable to hide the evident conflicts between modernity and an ancestral and mysterious world, but able to intrigue about how it could be possible to rewrite the present, or to see it with new eyes.

ticket online | http://www.liveticket.it/evento.aspx?Id=504107
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panorama queer / 13 maggio 2024

Adoration

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L’isola della Giudecca, a sud del centro storico di Venezia, è la sede del Convento delle Convertite, ormai quasi da 200 anni un carcere femminile destinato alla reclusione e alla riabilitazione delle prigioniere condannate. L’edificio però era ancora prima un convento dove prostitute e donne considerate immorali venivano rinchiuse contro la loro volontà. Dietro quelle mura, e in particolare nel parlatorio, c’è però un’altra storia, per la quale le donne si esibivano per l’alta società, offrendo spettacoli di travestitismo, talvolta anche blasfemo.
Il corto di Pauline Curnier Jardin inizia quieto sulla voce fuoricampo di una prigioniera, ma lentamente, tramite disegni e viraggi al negativo, si trasforma in un trip funky di collage dadaisti e animazioni stralunate, una notte stellata di fuochi d’artificio che scopre un’energia mai sopita, ammiccante ed esaltata, come con un rituale alternativo a quello sacro, in un funambolico controcampo profano.

[eng]
The island of Giudecca, south of the historic center of Venice, is the home of the Convent of the Convertite, which for about 200 years has been a women’s jail for the imprisonment and rehabilitation of condemned prisoners. Even before that, the building was a convent where prostitutes and women considered immoral were locked up against their will. Nevertheless, behind those walls, and in particular in the parlor, there is another story, and according to this story women performed for high society offering shows of transvestism, sometimes even blasphemous.
Pauline Curnier Jardin’s short movie begins quietly on the voice over of a prisoner, but slowly, through drawings and negative toning, transforms into a funky trip of Dadaist collages and dazed animations, a starry night of fireworks that discovers a never dormant energy, winking and exalted, as with an alternative ritual to the sacred one, in a acrobatic profane countershot.

ticket online | http://www.liveticket.it/evento.aspx?Id=504011
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nuove visioni / 13 maggio 2024

La photo retrouvée

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Pierre Primetens è nato il 22 aprile 1974, tre giorni prima della Rivoluzione dei garofani che mette fine alla dittatura portoghese. Ha trascorso i primi anni della sua infanzia a Chaville, non lontano da Versailles, ed ha effettuato regolarmente viaggi di famiglia in Portogallo, fino alla morte della madre. Poi la sua vita prende un'altra svolta. I ricordi si affastellano e le foto della sua infanzia e della sua famiglia vanno perdute o distrutte. Ripercorrere e capire gli eventi che hanno segnato la sua biografia e determinato il suo essere diventa per il regista una tappa fondamentale per restare in vita. Decide quindi di raccontare la sua storia prendendo in prestito le immagini di altri.
Indagando le possibilità del film di montaggio d’archivio, Primetens realizza una sinfonia intima e graffiante con cui riesce a mettersi a nudo senza mostrarsi mai davvero, alludendo, ammiccando, evocando altro pur rimanendo sempre fuoricampo, tra le immagini ma mai nascosto. Mai lo schietto e il subliminale sono mai state così tanto facce della stessa medaglia.

[eng]

Pierre Primetens was born on 22 April 1974, three days before the Carnation Revolution which put an end to the Portuguese dictatorship. He spent the first years of his childhood in Chaville, not far from Versailles and regularly took family trips to Portugal, until the death of his mother. Then his life takes another turn. Memories pile up, and photos of his childhood and his family get lost or destroyed. Retracing and understanding the events that marked his biography and determined his being become a fundamental step for him to survive. Consequently, he decides to tell his story by borrowing the images of others.
Investigating the possibilities of archive montage film, Primetens creates an intimate and scratchy symphony with which he manages to lay himself bare without ever really showing himself, alluding, winking, evoking something else while always remaining off-screen, among the images but never hidden. Never have the frankness and the subliminal been so much sides of the same coin.

ticket online | http://www.liveticket.it/evento.aspx?Id=503687
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queer short / 13 maggio 2024

Y

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Il nero torbido del carboncino, il bianco sporco della carta, e i segni di una lotta artistica e sentimentale consumata sul crinale tra composizione e decomposizione.
Y è un film d’animazione il cui titolo rimanda all’incognita, al dubbio che ogni relazione schiude rispetto alla propria durabilità, simboleggiando anche un’iniziale unità che nel corso del tempo si usura fino a biforcarsi e a scindere l’originale simbiosi in irreparabile distanza. Un bivio, dunque, che pone la protagonista e gli spettatori di fronte a due opposti: l’intimità e l’allontanamento, l’inizio di un amore e la sua fine. Y è un viaggio rizomatico di osservazione prossima del desiderio e del corpo femminile, tratteggiato in ogni angolo e curva e colto quasi sempre sotto il tocco desiderante di due amanti destinate a non ritrovarsi mai più.

[eng]

The turbid black of the charcoal, the dirty white of the paper, and the signs of an artistic and sentimental struggle played on the ridge between composition and decomposition.
Y is an animated film whose title refers to the unknown, to the doubt that every relationship opens up regarding its own durability, but that also symbolizes an initial unity that wears out over time until it branches out and splits the original symbiosis in an irreparable distance. A crossroads, therefore, that let the protagonist and the spectators face two opposites: intimacy and estrangement, the beginning of a love story and its end. Y is a rhizomatic journey of close observation of desire and female body, outlined in every corner and curve and almost always caught under the desiring touch of two lovers destined to never meet again.

ticket online (26/05/2024) | http://www.liveticket.it/evento.aspx?Id=503999
ticket online (30/05/2024) | http://www.liveticket.it/evento.aspx?Id=504120
tutta la programmazione | https://www.liveticket.it/siciliaqueer

queer short / 13 maggio 2024

Wild Fruits

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XVI secolo. Dopo un periodo trascorso all'estero nella Francia antartica, Jean Aurand trova rifugio come servitore nella casa del filosofo francese Michel de Montaigne, dove una serie di eventi fantastici cambia per sempre la vita dei due uomini.
In questa fantasia queer che evoca ricordi del primo Bertrand Mandico, di Perceval le Gallois di Eric Rohmer e di West Indies di Med Hondo, il regista brasiliano Bernardo Zanotta contrappone la brutalità dei colonizzatori alla sensualità del rapporto di Jean Aurand con gli indigeni. Possiamo solo sognare quale corso avrebbe preso la storia se l'approccio pacifista e non binario del servitore avesse prevalso sulla violenza coloniale.

[eng]

16th century. After a period overseas in the Antarctic France, Jean Aurand finds refuge as a servant in the house of French philosopher Michel de Montaigne, where a series of fantastical events change the lives of these two men forever.
In this queer fantasy that conjures up memories of early Bertrand Mandico, Eric Rohmer's Perceval le Gallois and Med Hondo's West Indies, Brazilian filmmaker Bernardo Zanotta contrasts the brutality of the colonists with the sensuality of Jean Aurand's relationship with the natives. We can only dream of the course history would have taken if the servant's pacifist, non-binary approach had prevailed over colonial violence.

queer short / 13 maggio 2024

Slimane

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Germania, in un futuro molto vicino. Un uomo viene rilasciato dalla prigione e decide di far subito visita alla sua migliore amica, Ava, sorpresa di vederlo. Ciò che grava sul film è l'incombere di una minaccia che agisce insidiosamente per cancellare dalla città l’esistenza dei corpi queer.
Questo anelito di cancellazione perseguito da uno Stato violento e omofobo viene elaborato dallo sguardo di Carlos Pereira in un’estetica della delicatezza, che lascia a dei quadri compositivamente scarni il compito di veicolare l’atrocità dell’assenza. Così, ricorrendo all’utilizzo della camera fissa e inquadrando un muro su cui posa una carta da parati fuori fuoco, il regista permette allo spettatore di sentir crescere, dentro di sé, un malessere sempre più intollerabile causato dall’assenza sullo schermo di quegli stessi corpi che, dentro e fuori dalla narrazione, rischiano di scomparire per sempre. Ma anche quando la realtà diventa troppo ostile l’unica risposta risiede sempre nella resistenza: queer allora diventa un luogo politico dove reinventare sé stessi e le regole di una società che nega ogni diritto di esistenza della differenza.

[eng]

Germany, in a near future. A man is released from prison and as a first stop he visits Ava, his best friend, who didn’t expect to see him. What weighs on the film is the coming of a threat that acts insidiously to erase the existence of queer bodies from the city. This desire for cancellation pursued by a violent and homophobic State is elaborated by the gaze of Carlos Pereira in an aesthetic of delicacy, which leaves to compositionally sparse shots the task of conveying the atrocity of absence. Thus, by resorting to the use of the fixed camera and by framing an out-of-focus wallpapered wall, the director allows the viewer to feel growing an increasingly intolerable discomfort caused by the absence on the screen of those same bodies that, inside and outside the narrative, risk disappearing forever. But even when reality becomes too hostile, the only answer always lies in resistance: queer then becomes a political place to reinvent oneself and the rules of a society that denies any right of existence of the difference.

queer short / 13 maggio 2024

On The Other Side Of

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Un’esplorazione del corpo transgender e non-binary colto e rappresentato attraverso il mordançage, un processo fotografico del XIX secolo che ricorre all’utilizzo di sostanze chimiche aggressive in grado di alterare la patina delle foto, sottoponendole a un processo di lenta e graduale trasformazione.
In questo film di Mia Felić, il supporto fotografico e il corpo umano diventano un unico, inscindibile medium. Lo sfaldarsi epidermico della loro superficie svela, infatti, la nascita di nuove forme di vita e nuovi modi d’essere. Il corpo in transizione assume qui la protoplasmaticità tipica degli organismi unicellulari: stampato sulla carta fotografica, il corpo/medium galleggia – proprio come le amebe – in un liquido mortifero e contemporaneamente vitale, sperimentando una onnipotenzialità che gli consente di compiere mutamenti metamorfici improvvisi e di passare da una condizione a un’altra, da un genere a un altro, evolvendosi, stadio dopo stadio, sino a fissarsi nella forma ritenuta più adatta.

[eng]

An exploration of the transgender and non-binary body caught and represented through the mordançage, a photographic process of the Nineteenth century that consists in aggressive chemicals capable of altering the silver gelatine prints, causing them to undergo a process of slow and gradual transformation.
In this film by Mia Felić, the photographic support and the human body become a unique, inseparable medium. The epidermal disintegration of their surface reveals, indeed, the birth of new forms of life and new ways of being. The body in transition assumes here the protoplasticity typical of unicellular organisms: printed on photographic paper, the body/medium floats - just like the amoebas - in both a deadly and vital liquid, experimenting with a transformability that allows it to make sudden metamorphic changes and to move from one condition to another, from one gender to another, evolving, stage after stage, until fixing in the form deemed most suitable.

ticket online (28/05/2024) | http://www.liveticket.it/evento.aspx?Id=504126
ticket online (29/05/2024) | http://www.liveticket.it/evento.aspx?Id=504007
tutta la programmazione | https://www.liveticket.it/siciliaqueer

queer short / 13 maggio 2024

Loveboard

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Una relazione ormai finita, un telefono rotto, e i ricordi del protagonista che si fanno memoria personale e archivio digitale. Entrambi frammentati, entrambi ricomposti per rivelare squarci di un amore svanito.
Loveboard non è solo la ricostruzione di momenti privati che, trasposti sullo schermo, diventano immagini universali, ma è soprattutto una mise en abîme del processo creativo del regista. L’osservazione ricorrente al microscopio della memoria interna di un telefono smembrato in ogni sua parte non è altro che la medesima azione che il regista compie con i ricordi della sua relazione. Provare a riparare un telefono rotto significa allora tentare di salvare dall’oblio pezzi di vita reali e digitalizzati, cose immaginate e momenti diventati immagini compromesse, video glitchati, scorci d’amore intravisti tra un pixel e l’altro, che divorano l’immagine fino ad annichilire ciò che di vero è stato vissuto.

[eng]

A broken relationship, a broken phone and the protagonist’s memories that become both personal memory and digital archive. Both fragmented, both reassembled to reveal glimpses of a vanished love.
Loveboard is not only the reconstruction of private moments that, transposed on the screen, become universal images, but above all it is a mise en abîme of the director’s creative process. The recurrent observation under the microscope of the internal memory of a telephone dismembered in all its parts is nothing more than the same action performed by the director with the memories of his relationship. Trying to fix a broken phone then means trying to save from oblivion real and digitized pieces of life, imagined things and moments become compromised images, glitchy videos, glimpses of love seen between pixels, that devour the image to the point of annihilating what was truly lived.

queer short / 13 maggio 2024

Grandmamauntsistercat

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La storia di una famiglia matriarcale vista attraverso gli occhi (e la voce) di una bambina. Immagini di repertorio, originariamente create come strumenti didattici e propagandistici nella Polonia comunista, vengono riproposte come luogo di memorie auto-fiction, maneggiate e distorte, portate su lidi cosmici e sperimentali.
Creato a partire dai materiali d'archivio dell'Educational Film Studio di Łódź, è una riflessione stratificata sulla parentela, sulle relazioni interspecie e sull'identità: le donne della famiglia si impegnano in un processo di creazione di sé e del mondo, trasformando i presupposti sessisti e antropocentrici di un intero immaginario in strumenti di resistenza. Così, in questa danza di immagini e suoni trasfigurati, la Baba Jaga, figura ancestrale della tradizione fiabesca slava, la terribile donna ai margini del bosco, si libera dei vincoli patriarcali e prende le forme di una potente dea preistorica, compagna di piante ed animali.

[eng]

The story of a matriarchal family through the eyes (and the voice) of a child. Archive images, originally created as didactic and propagandist tools in communist Poland, are turned into a locus of auto-fictional memories, through manipulation and distortion, until they reach cosmic and experimental horizons.
Created from archive images from the Educational Film Studio in Łódź, it is a layered reflection on kinship, interspecies relationships and identity: the women in the family engage in a process of self-making and world-making, overturning the often sexist and anthropocentric basis of an entire imaginary into tools of resistance. At the center of this dance made of transfigured images and sounds, the classic Slavic witch figure, Baba Jaga, the mysterious woman at the edge of the woods, finally free from patriarchal constraints, is reimagined as a 'prehistoric goddess from the times of the matriarchy', companion and allied with plants and animals.

presenze / Matías Piñeiro / 12 maggio 2024

In the Museum

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C’è una scena, nel film La princesa de Francia di Matías Piñeiro, ambientata in un museo. Nella scena, mentre i due protagonisti parlano, un terzo personaggio “satellite” dialoga con loro mentre scatta delle fotografie a una statua e ad alcuni dipinti allo scopo di realizzare un catalogo. Matías Piñeiro ritrova le foto scattate durante le riprese dall’attrice, Gabriela Saidón, e si accorge di quanto siano inadatte a quel catalogo inesistente, e a quanto fossero precise quanto più l’attrice era calata nella parte.
A partire da questo presupposto, il regista argentino si interroga sui borgesiani labirinti di possibilità che possono nascere intrecciando le finzioni in una storia. Questo viaggio nella fantasia lo fa incrociare con altri registi, altri film, altre storie, scoprendo come ciò che non si vede e non esiste possa procurare concrete e vivide emozioni.

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There is a scene, in the film La princesa de Francia by Matías Piñeiro, that is set in a museum. In the scene, while the two protagonists talk, a third “satellite” character talks to them while taking photographs of a statue and some paintings in order to create a catalogue. Matías Piñeiro finds the photos taken during the shooting by the actress, Gabriela Saidón, and realizes how unsuitable they are for that non-existent catalogue, and how precise they were the more the actress was immersed in her role.
Starting from this assumption, the Argentine director questions himself on the Borgesian labyrinths of possibilities that can arise by intertwining fictions into a story. This journey into fantasy brings him together with other directors, other films, other stories, discovering how what cannot be seen and what does not exist can provide concrete and vivid emotions.

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presenze / Matías Piñeiro / 12 maggio 2024

La princesa de Francia

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Dopo un anno dalla morte del padre, Victor torna a Buenos Aires e cerca di ricostruire i pezzi della sua vita amorosa, una vita che aveva abbandonato all’improvviso e che forse ora vuole riconquistare. Nel frattempo, pianifica la realizzazione di un radiodramma su Pene d’amor perdute di Shakespeare.
In equilibrio sottile e ironico fra sentimentalismo e cerebralità, La princesa de Francia si propone l’ambizione di coniugare solennità e scherzo, assecondando i mille rivoli del destino dei suoi protagonisti. Questo trasforma la vita, dentro il film di Piñeiro, in un tranello di giochi, pieno di invenzioni visive e di intrufolamenti curiosi in luoghi e tempi sacri (i musei, la musica di Felix Mendelssohn) che vengono rimaneggiati con un savoir faire che viene direttamente dalla nouvelle vague francese.

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A year after his father’s death, Victor returns to Buenos Aires and tries to rebuild the pieces of his love life, a life that he had suddenly abandoned and that perhaps he now wants to regain. In the meantime, he plans to make a radio drama about Shakespeare Love’s Labour’s Lost.
In a subtle and ironic balance between sentimentality and cerebrality, The Princess of France aims to combine solemnity and joke, supporting the thousand rivulets of the destiny of its protagonists. This transforms life, within Piñeiro’s film, into a trap of games, full of visual inventions and curious intrusions into sacred places and times (such as museums or Mendelssohn’s music) which are reworked with a savoir faire that comes directly from the French Nouvelle Vague.

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presenze / Matías Piñeiro / 12 maggio 2024

Viola

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Viola, Cecilia, Agustín, Javier, Sabrina. Una storia di attrici e di uomini, un labirinto di intrighi sentimentali, mentre sullo sfondo, ma forse neanche troppo lontano dalle quotidianità dei protagonisti, si organizza l’allestimento della Dodicesima notte di William Shakespeare.
Sempre attraverso i versi e le battute dalle opere del drammaturgo inglese, Piñeiro riesce a unire volti diversi, situazioni differenti e distanti, suggerendo i fili che legano fra loro tutte le parti di un disegno complessivo, umano e drammatico, in bilico fra verità e menzogna. Un altro esperimento di creatività narrativa, pieno di grandi momenti di grazia che rendono il cinema del regista argentino così unico e accattivante.

[eng]

Viola, Cecilia, Agustín, Javier, Sabrina. A story of actresses and men, a labyrinth of sentimental intrigue, while in the background, but perhaps not too far from the daily lives of the protagonists, the staging of William Shakespeare’s Twelfth Night is organized.
Again through the verses and lines from the works of the English playwright, Piñeiro manages to unite different faces, various and distant situations, suggesting the threads that bind together all the parts of an overall, human and dramatic design, poised between truth and lie. Another experiment in narrative creativity, full of great moments of grace that make the Argentine director’s cinema so unique and captivating.

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presenze / Matías Piñeiro / 12 maggio 2024

Rosalinda

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Un gruppo di attori si trasferisce su un’isola immersa nella natura per fare le prove di un’opera di William Shakespeare, Come vi piace, ma i dialoghi e i rapporti fra i personaggi shakespeariani sembra sempre di più ricalcare la passione, il veleno e l’inganno che scorre fra gli attori, e Luisa, che interpreta Rosalinda, comincia a perdersi dentro questo grande sogno arcadico.
Una ronde di persone, di battute, di sottintesi: gli esseri umani di Piñeiro non si isolano per poter essere finalmente loro stessi, ma per poter finalmente interpretare altro da sé, forse persino per scappare da sé stessi. Una coreografia di piccoli e grandi inganni che ricorda il più grande cinema francese e traduce in immagini e movimenti i magici rivoli linguistici dell’opera di Shakespeare.

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A group of actors move to a island surrounded by nature to rehearse As you like it by William Shakespeare, but the lines and the relationships among the characters of the play start to seem very similar to the passion, the venom and the deceit among the actors, and Luisa, who plays Rosalinda, starts to get lost inside this Arcadian dream.
A ronde of people, of dialogues, of implications: Piñeiro’s human beings do not isolate themselves to enthusiastically be themselves, but to enthusiastically interpret someone different from themselves, maybe even to escape from themselves. A choreography of little and big deceptions that reminds of the greatest French cinema and that translates in images and movements the magic linguistic streams of Shakespeare’s works.

presenze / Matías Piñeiro / 12 maggio 2024

Todos mienten

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Helena invita a casa sua alcuni suoi amici ventenni, con uno scopo misterioso. Tutti mentono: i tre uomini, le quattro donne, perfino la casa in campagna che li ospita. Ogni risvolto di trama, ogni battuta di dialogo, potrebbe essere una menzogna, tanto da far perdere qualsiasi distinzione fra quadri falsi e sentimenti falsi, fra letture di testi di fantasia e riferimenti ad eventi reali.
Se c’è un regista che riesce a trasformare una scena all’aperto in una commedia teatrale, o in un piccolo concerto da camera, quello è Matías Piñeiro. I suoi personaggi si muovono tramite traiettorie imprevedibili dentro e fuori il campo visivo, si agitano come in un formicaio, mentre il suo occhio li attraversa con un nitore degno di Jacques Rivette. È come se avessero tutti sempre un obbiettivo da svolgere, un compito, una funzione, e mentre si dimenano in un gioco intellettuale dei sentimenti perdono il quadro generale della realtà. Tanto che non si capisce se un bacio è solo un bacio o nasconde un agente segreto nell’ombra. Cinema come lucido e garbato complottismo.

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Helena invites some of her twenty-year-old friends to her house, with a mysterious purpose. Everyone lies: the three men, the four women, even the house in the countryside that hosts them. Every plot twist, every line of dialogue, could be a lie, so much so that any distinction between false paintings and false feelings, or between readings of fictional texts and references to real events, is lost.
If there is a director who is able to transform an outdoor scene into a theatrical comedy, or in a small chamber concert, that director is Matías Piñeiro. His characters move through unpredictable trajectories in and out of the image, they shake as if in an anthill, while his eye passes through them with a clarity that’s worthy of Jacques Rivette. It’s as if they all always had an objective to accomplish, a task, a function, and while they struggle in an intellectual game of feelings they lose the general picture of reality. The effect is that it is not clear whether a kiss is just a kiss or hides a secret agent in the shadows. Cinema as lucid and polite conspiracy.

queer short / 12 maggio 2024

Boléro

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Un ballerino di nome Fran fa ritorno al suo paese natale per concedersi un po’ di riposo e far visita alla madre. Il suo arrivo, però, si trasforma presto in qualcosa di speciale per la sua comunità. Attraverso il ritmo del bolero, Fran guiderà gli abitanti del paese e gli spettatori verso il raggiungimento di nuove vette del piacere.
In un caotico climax ascendente, che dal voyeurismo si trasforma in una sacra contemplazione collettiva, Fran diventa – attraverso lo sguardo del popolo – una profana figura cristologica venuta a rivelare una nuova forma di conoscenza che passa dall'uso del corpo e della vista e che conduce, in ultimo, a una celebrazione processionale dell’appagamento dei sensi, spirituali ma soprattutto fisici.

[eng]

A dancer named Fran returns to his hometown to rest and visit his mother. But his arrival soon turns into something special for his community. Through the rhythm of Bolero, Fran will guide the villagers and the spectators towards new heights of pleasure.
In a chaotic ascending climax, that from voyeurism turns into a sacred collective contemplation, Fran becomes - through the gaze of the people - into a profane Christological figure who has come to reveal a new form of knowledge that comes through the use of the body and the sight, and that ultimately leads to a processional celebration of the satisfaction on the senses, spiritual but, above all, physical.

Sicilia Queer 2025 / 11 maggio 2024

editoriale

Per presentare la quindicesima edizione del Sicilia Queer si potrebbe cominciare da un discorso sul tempo e sullo spazio. Se questo festival – concepito, nato e realizzato a Palermo – sta riuscendo a conquistarsi un piccolo margine di originalità e di attenzione nel panorama nazionale e internazionale è forse anche perché si è via via sempre più liberato dalla pressione dell’attualità, dall’obbligatorietà di uno sguardo unicamente rivolto al presente, prefiggendosi il piacere di attraversare il tempo in maniera più libera, e così anche meno prevedibile. Non perché disinteressato al presente: tutt’altro. Anzi proprio a partire dalla convinzione che uno sguardo originale sul presente possa sorgere solo dalla sottrazione ad alcuni meccanismi futili e stringenti che sembrano caratterizzare la routine dei festival.

eterotopie / 11 maggio 2024

La strada dei Samouni

[ita]
Da quando la piccola Amal è tornata nel suo quartiere, ricorda solo un grande albero che non c’è più. Un sicomoro su cui lei e i suoi fratelli si arrampicavano. Si ricorda di quando portava il caffè a suo padre nel frutteto. Dopo è arrivata la guerra. Amal e i suoi fratelli hanno perso tutto. Sono figli della famiglia Samouni, dei contadini che abitano alla periferia della città di Gaza. È passato un anno da quando hanno sepolto i loro morti. Ora devono ricominciare a guardare al futuro, ricostruendo le loro case, il loro quartiere la loro memoria.
Sul filo dei ricordi, immagini reali e racconto animato (le animazioni sono realizzate da Simone Massi) si alternano a disegnare un ritratto di famiglia, prima, dopo e durante i tragici avvenimenti che hanno stravolto le loro vite in quel gennaio del 2009, quando, durante l’Operazione Piombo fuso, vengono massacrati ventinove membri della famiglia.

[eng]
Ever since little Amal returned to her neighborhood, she has only been able to remember a huge tree which no longer exists. It was a sycamore that she and her siblings used to climb. Then the war broke out. Amal and her siblings lost everything. They are children of the Samouni family, farmers who live on the outskirts of Gaza City. A year has passed since they buried their dead. Now they must start to look to the future once again, rebuilding their houses, their neighborhood and their memories. On the cusp of memory, real-life images and animations (created by Simone Massi) take turns to sketch out a family portrait, before, after and during the tragic events that turned their lives upside down in January 2009, when twenty-nine members of their family were butchered during Operation Cast Lead.

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