nuove visioni

nuove visioni / 13 maggio 2025

La limace et l’escargot

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[ita]
Due anime claudicanti, sulla sessantina, si scontrano – letteralmente – a un angolo di strada. Quello che inizia come un goffo incidente diventa una scintilla silenziosa. Davanti a un caffè, si fermano. Parlano. E così nasce un’intimità inattesa.
La limace et l’escargot segue il lento svilupparsi di una connessione che prende forma non dall’urgenza, ma dalla presenza di due corpi a lungo ignorati in un mondo frenetico, che trovano un tempo proprio l’uno nell’altro. Il film di Anne Benhaïem è una tenera ode a un modo di invecchiare dissidente, alla liminalità, all’amore che non ha bisogno di urlare per esistere. Con una regia essenziale e interpretazioni che vibrano di verità vissuta, il film crea uno spazio in cui è possibile trovare un rifugio alla vulnerabilità. Parla della solitudine senza pietà, dell’affetto senza spettacolo. Ci ricorda che il desiderio non svanisce, cambia solo forma. La stessa Benhaïem interpreta la protagonista, portando in scena un magnetismo crudo e autentico che rende la storia qualcosa di vissuto, non recitato. Questo è cinema che non urla, che riflette e resiste senza fare troppo rumore.

[eng]
Two limping souls in their sixties collide – literally – on a street corner. What begins as a clumsy accident becomes a quiet spark. Over coffee, they linger. They talk. And just like that, an unlikely intimacy begins to bloom.
The Slug and the Snail traces the gentle unfurling of a connection born not of urgency, but of presence of two bodies long ignored by the tempo of the world, finding rhythm in each other. Anne Benhaïem’s film is a tender ode to queer aging, to liminality, to love that doesn't need to shout to be heard. With stripped-down direction and performances that pulse with lived-in truth, the film crafts a space of radical softness. It speaks to loneliness without pity, to affection without spectacle. It reminds us that desire doesn’t fade, it just changes shape. Benhaïem herself plays one half of the duo, bringing a raw, honest magnetism that makes the story feel lived rather than performed. This is cinema as whisper, as mirror, as gentle rebellion.

nuove visioni / 13 maggio 2025

A Body to Live In

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[ita]
Il corpo in cui viveva Fakir Musafar, pseudonimo di Roland Loomis, era un corpo da deformare, da perforare, da annodare e slacciare, da tirare e arpionare. Figura pionieristica della body art queer, fondatore del controverso movimento “Modern Primitive”, la sua opera ha attraversato il mondo della fotografia, quello dell’underground, quello della Church of Satan e quello del flower power. Per lui ridefinire i confini fisici del corpo era un punto di approdo spirituale.
Dietro le apparenze di un documentario classico e lineare che attraversa la storia degli USA del secondo Novecento, lo sforzo di Angelo Madsen rivela un approfondito lavoro di recupero dei materiali d’archivio che come il corpo di Fakir Musafar si intrecciano, si piegano, si riscrivono nelle parole delle testimonianze fuoricampo, si proiettano come protesi dell’opera performativa dell’artista diventandone estremità fluida. Lo sguardo dello spettatore è messo di fronte a un bivio politico ed estetico, dove distanza ed empatia, straniamento e incarnazione, giusto e sbagliato, smettono di essere poli di carica opposta.

[eng]
The body in which Fakir Musafar, pseudonym of Roland Loomis, lived in was a body to be deformed, pierced, knotted and untied, pulled and harpooned. A pioneering figure of queer body art, founder of the controversial “Modern Primitive” movement, his work has crossed the world of photography, the underground, the Church of Satan and flower power. For him, redefining the physical boundaries of the body was a spiritual point of arrival. Behind the appearance of a classic and linear documentary that crosses the history of the USA in the second half of the twentieth century, the effort of Angelo Madsen reveals an in-depth work of recovery of archive materials that, like Fakir Musafar’s body, intertwine, fold, rewrite themselves as prostheses of the artist’s performative work, becoming its fluid extremity. The viewer’s gaze is placed at a political and aesthetic crossroads, where distance and empathy, estrangement and incarnation, right and wrong, cease to be poles of opposite charge.

nuove visioni / 12 maggio 2025

The Trio Hall

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[ita]
Taiwan, Anni Settanta. In un programma tv si tiene un dibattito fra alcuni giovani a proposito di moralità, globalizzazione, Est e Ovest del mondo e ideologie politiche. È l’occasione opportuna per un girotondo frastornante di sketch che immaginano tavole rotonde di dittatori e lezioni di etica da parte di un’intelligenza artificiale.
Questo e altro è The Trio Hall, la velenosa satira di Su Hui-yu, tratta da una sua omonima performance del 2023. Se da un lato il film prende a pugnalate violente i modi ipocriti e ridicoli in cui nel presente così come nel passato ci appelliamo ai massimi sistemi per giustificare le nostre (a)moralità, dall’altro lato esplora con un ritmo forsennato le possibilità del travestitismo e dell’alterità, come in un circo delirante che spazza via ogni certezza.

[eng]
Taiwan, the Seventies. In a tv program a debate is held among some young people concerning the themes of morality, globalization, East and West of the world and political ideologies. It’s the perfect occasion for a dazing merry-go-round of sketches that fantasize about roundtables with dictators and ethical lessons from an artificial intelligence.
This and many other things is The Trio Hall, the venomous satire by Su Hui-yu, based on a homonymous performance from 2023. On one side the movie violently stabs the ridiculous and hypocrite ways we use (and used in the past as well) high philosophical concepts to justify our (a)morality, and on the other side it explores the chances of transvestitism and alterity with a mad rhythm, as in a foolish circus that washes away all the certainties.

nuove visioni / 12 maggio 2025

Te separas mucho / The Distance You Left

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[ita]
Come si racconta una separazione? Si può farlo tramite le immagini? Se lo chiede Paula, che si sta separando da Joy dopo una relazione di dieci anni. Se lo chiede perché guarda le immagini che riprese suo padre, José Luis, quando si separò da sua madre, Luz María, ben trent’anni prima. Le immagini che rimangono possono rappresentare un esorcismo, o forse non risolvono niente?
Dietro le apparenze del classico found footage nostalgico, che tenta di rimettere a posto i pezzi del passato, Te separas mucho si affaccia invece in modo opprimente sull’assenza di un futuro. L’amore finisce ed è difficile vagare nel vuoto che lascia. Viene la tentazione di reinterpretare il passato e di usare le sue immagini non come documento reale ma come argomento fallace per raccontarsi una storia che non è stata, intercettando un indizio di speranza in un fatto effimero. Il film di Paula Veleiro è un autoritratto nudo della regista, talmente spoglio e diretto che non nasconde i più scomodi auto-inganni, rivelandoli di soppiatto pur non riuscendo mai a confessarli a sé stessa.

[eng]
How do you tell the story of a separation? Can you do it through images? Paula, who is separating from Joy after a ten-year relationship, askes herself this question. She asks herself this because she looks at the images taken by her father, José Luis, when he separated from her mother, Luz María, thirty years earlier. Can the images that remain represent an exorcism, or do they perhaps solve nothing?
Behind the appearance of a classic nostalgic found footage movie, which attempts to put the pieces of the past back together, The Distance You Left instead oppressively looks out over the absence of a future. Love ends and it is difficult to wander in the void it leaves. The temptation arises to reinterpret the past and to use its images not as a real document but as a fallacious argument to tell a story that never was, intercepting a hint of hope in an ephemeral fact. Paula Veleiro’s film is a naked self-portrait of the director, so bare and direct that it does not hide the most uncomfortable self-deceptions, revealing them furtively even though it never manages to confess them to itself.

nuove visioni / 12 maggio 2025

Das Schiffbruch-Triptychon (The Shipwrecked Triptych)

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[ita]
Ammutinamento: degli infermieri festeggiano il Capodanno in una casa di riposo. Imbarco: una famiglia congolese residente in Germania riceve la visita di un presunto assistente sociale. Deriva: un uomo scacciato dalla propria comunità vaga nella campagna medievale tedesca. Questi tre film interconnessi ma stilisticamente distinti formano un trittico che esplora le topografie metaforiche e letterali del naufragio, inteso sia come frattura che come resa dei conti, costruendo una meditazione suggestiva sull’esilio, l’identità e la crisi del senso di appartenenza nell’epoca moderna.
Tra performance e cinema di genere, risate isteriche e brividi, Deniz Eroğlu riformula l’archetipo del naufrago, non più vittima della natura, ma soggetto alla deriva nei flussi della storia, della burocrazia e dello sradicamento culturale. Linee temporali frammentate e media sovrapposti annullano i confini tra passato e presente, tra personale e geopolitico. I protagonisti della trilogia, sospesi tra lingue, patrie e identità, incarnano la condizione post-nazionale di esseri umani condannati a esistere in uno spazio ambivalente.

[eng]
Mutiny: some caregivers have a party in a nursing home on New Year’s Eve. Boarding: a Congolese family living in Germany is visited by a pretended social worker. Adrift: a man crushed by his community wanders in the medieval German countryside. Spanning three interlinked but stylistically distinct films, the triptych navigates the metaphoric and literal topographies of shipwreck as both rupture and reckoning, building a suggestive meditation on exile, identity, and the fractured condition of modern belonging.
Through performance and genre, hysterical laughs and chills, Deniz Eroğlu reframes the archetype of the castaway, not as victim of nature, but as a subject adrift in the tides of history, bureaucracy, and cultural displacement. Fragmented timelines and layered media collapse boundaries between past and present, personal and geopolitical. The trilogy’s protagonists, caught between languages, homelands and identities, embody the post-national condition of human beings condemned to exist in an ambivalent space.

nuove visioni / 12 maggio 2025

Salomé

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[ita]
La modella Cecília torna a casa sua a Recife per trascorrere il Natale con la religiosissima madre. Lì ritrova le amiche di sempre ma trova anche João, misterioso giovane figuro di cui forse si innamora. O è forse l’effetto di una strana pozione verde che lui le offre durante una festa?
In un’esplosione di cinema di genere, affrontata in un rarissimo equilibrio di eleganza e camp, il film di André Antônio si sviluppa come una recita drag fulminante e fulminata, riconfermando il Brasile come un paese di fecondissimo cinema queer. Il perturbante della mitologia biblica (in riferimento alla figura del titolo, Salomé) irrora gli spazi di un mondo coloratissimo ma contaminato, attraente ma autodistruttivo, in cui horror, fantasy, thriller e commedia hanno perso qualsiasi confine.

[eng]
Model Cecília returns to her home in Recife to spend Christmas with her very religious mother. There she finds her old friends, but also finds João, a mysterious young man with whom she may fall in love. Or is it perhaps the effect of a strange green potion that he offers her during a party?
In an explosion of genre cinema, approached with a rare balance of elegance and camp, André Antônio’s film unfolds like a fulminating and fulminated drag performance, reconfirming Brazil as a country of very fertile queer cinema. The uncanny of biblical mythology (in reference to the title figure, Salomé) permeates the spaces of a colourful but contaminated world, attractive but self-destructive, in which horror, fantasy, thriller and comedy have lost all boundaries.

nuove visioni / 09 maggio 2025

Anapidae (Appelle-moi)

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[ita]
Il guardiano di un cimitero riceve le visite di un’insistente vedova, che viene a piangere il marito defunto. L’uomo era l’amante del guardiano, e la vedova vuole venire a capo del loro rapporto. Intanto, però, il guardiano viene morso da un misterioso ragno…
Mathieu Morel dissacra il dissacrabile in questa commedia horror grottesca sovraccarica di necrofilia e aracnofilia, intrecciando in una singola ragnatela asfissiante eros e thanatos, dialogo teatrale e horror di serie Z, queerness e spinte autodistruttive. Dei torbidi abissi del desiderio del cinema francese contemporaneo (Bertrand Mandico, Yann Gonzalez), quelli di Mathieu Morel sono i più sgradevoli, diretti, viscerali.

[eng]
A cemetery keeper receives visits from an insistent widow, who comes to mourn her deceased husband. The man, however, was the keeper’s lover, and the widow wants to get to the bottom of their relationship. But in the meantime the keeper is bitten by a mysterious spider…
Mathieu Morel desecrates the desecrable in this grotesque horror comedy overloaded with necrophilia and arachnophilia, intertwining eros and Thanatos, theatrical dialogue and B-series horror, queerness and self-destructive impulses in a single suffocating spider web. Among the murky depths of desire in contemporary French cinema (Betrand Mandico, Yann Gonzalez), those of Mathieu Morel are the most unpleasant, direct, visceral ones.

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La limace et l’escargot

A Body to Live In

The Trio Hall

Te separas mucho / The Distance You Left

Das Schiffbruch-Triptychon (The Shipwrecked Triptych)

Salomé

Anapidae (Appelle-moi)