panorama queer / 20 maggio 2022

Masking Threshold

TICKET ON LINE > https://www.vivaticket.com/it/biglietto/masking-threshold/182367

[ita]

Un IT worker di un’azienda, affetto da un disturbo simile all’acufene, si chiude in una stanza per fare degli esperimenti su materiali e corpi di animali. Vuole dimostrare che ogni oggetto di derivazione organica emette un suono, che questo suono comunica qualcosa e che la sensazione si acuisce quando il corpo in questione agonizza e muore. Il film è la ricostruzione, con sguardo allucinato e ossessivo, della progressiva follia megalomane del protagonista, spinto in un baratro di violenza sadica e truculenta dal desiderio di una presunta scoperta scientifica. Tramite l’uso di macro, dettagli gore e una voice over dal ritmo compulsivo, il regista austriaco sfrutta i traumi del protagonista – tra i quali, la perdita di compagni e amici al Pulse Gay Shooting di Orlando nel 2016 – per restituire allo spettatore un’esperienza horror non adatta agli stomaci deboli.

[eng]

A company IT worker with a tinnitus-like disorder locks himself into a room to experiment with biological materials and animal bodies. He wants to demonstrate that every organically derived object emits a sound, that this sound communicates something and that the sensation is heightened when the body in question agonizes and dies. The film is the progressive reconstruction, with hallucinated and obsessive gaze, of the protagonist’s megalomaniac madness, pushed into an abyss of sadistic and truculent violence by the desire for an alleged scientific discovery. Through the use of macros, gore details and a voice over with a compulsive rhythm, the Austrian director employs the traumas of the protagonist – including the loss of companions and friends at the Pulse Gay Shooting in Orlando in 2016 – to give back to the viewer an horror experience not for the faint-hearted.

panorama queer / 20 maggio 2022

Il tempo della tartaruga

[ita]

In un momento in cui tutto si è fermato a causa della pandemia, la realtà sembra essersi dilatata all’infinito, costringendo le protagoniste di questo film a elaborare nuovi mezzi con cui affrontare la vita di tutti i giorni. Prendendo ispirazione da un sogno lucido e da una tartaruga, attentamente studiata, Costanza decide di seguire la propria fidanzata durante una campagna archeologica sull’isola di Ustica. Il primo lockdown costringerà la coppia a rimandare l’incontro programmato e ad analizzare con occhi diversi il vuoto, esistenziale e fisico, sancito dal nuovo corso storico. Attraverso gli scavi e la telecamera, assistiamo a un tentativo di trovare connessioni più profonde con il passato e il luogo di provenienza. Una quasi favola sul tempo e sulla Storia, osservati con gli occhi dell’impazienza.

[eng]

At a time when everything has been stopped by the pandemic, reality seems to be infinitely dilated, forcing the protagonists of this film to find new tools to cope with everyday life. Taking inspiration from a lucid dream and a carefully studied turtle, Costanza decides to follow her fiancée on an archaeological campaign on the island of Ustica. The first lockdown will force the couple to postpone their planned meeting and to analyse with different eyes the existential and physical emptiness, sanctioned by the new historical course. Through the excavations and the camera, we witness an attempt to find deeper connections with the past and the place of origin. A semi-fable about time and history, observed through the eyes of impatience.

panorama queer / 20 maggio 2022

Genderation

[ita]

Venti anni dopo Gendernauts (1999), Monika Treut torna a incontrare i protagonisti di quel film, una generazione di persone trans che ha trovato il proprio equilibrio ma che non ha smesso di riflettere su sé stessa e la società mutante e che lo fa con un'energia che continua ad avere un impatto ancora oggi. Il film è un dialogo a più voci sull'evoluzione del movimento e delle politiche LGBTQ+ o su temi come identità, normalizzazione, ecologia o sulla trasformazione di San Francisco da epicentro dell'arte e della controcultura queer a città gentrificata. Ma soprattutto, Genderation è una rappresentazione intima delle identità mutevoli e del viaggio di coloro che lottano per superare il concetto di binarismo e di vivere le loro vite in modo autentico.

[eng]

Twenty years after Gendernauts (1999), Monika Treut seeks out the protagonists of that film, a generation of trans people who have found their balance, but who keeps on reflecting on themselves and the mutant society and how their energy continues to have an impact today. The film is multi-voiced dialogue on the evolution of the LGBTQ+ movement and policies or on issues such as identity, normalization, ecology, or on the transformation of San Francisco from being a hotbed of counterculture to a gentrified city. But above all, Genderation is an intimate portrayal of shifting identities and of the journey of those who are struggling to move past the concept of binarism and to live their most authentic lives.

panorama queer / 19 maggio 2022

The Canyon

TICKET ON LINE > https://www.vivaticket.com/it/biglietto/el-auge-del-humano/182377

[ita]

Edifici residenziali di lusso contraddistinti da uno stile architettonico geometrico e circondati dal verde popolano una serie di spazi urbani uniformi che Zachary Epcar rappresenta con una sequenza di fotogrammi precisi, gestualità identiche e frasi pre-programmate, che evolvono verso l'entropia. Quale flusso ribelle, quali eruzioni di energia si nascondono dietro la piatta superficie a griglia di The Canyon? In un luogo in cui tutto sembra accadere in superficie, questo film ci immerge nelle infrastrutture del desiderio su cui è costruito il nostro presente.

[eng]

The boxy architecture and cordoned greenery of luxury housing developments populate a series of uniform urban spaces, which Zachary Epcar depicts as a sequence of precise frames, stock gestures, and pre-programmed phrases, drifting into entropy. What wayward flows, what eruptions of energy, can be found beneath the flat surfaces and grid-like structures of The Canyon? In a place where everything seems to happen on the surface, this film takes us deep into the infrastructures of desire on which our present moment is built.

panorama queer / 19 maggio 2022

Dear Barbara, Bette, Nina

TICKET ON LINE > https://www.vivaticket.com/it/biglietto/omaggio-a-beatrice-gibson/182370

[ita]

Una donna sta guardando il cellulare in un parco, circondata da bambini che giocano. Il film fa parte di un progetto commissionato nel 2021 dal Punto de Vista Film Festival, per il quale i curatori Garbiñe Ortega e Matías Piñeiro hanno chiesto ad alcuni autori di filmare una lettera indirizzata a un regista da loro ammirato. Per Las Cartas Que no Fueron También Son Gibson ha dedicato la sua lettera d'amore a tre registe – Barbara Loden, Nina Menkes e Bette Gordon –, donne le cui voci e i cui personaggi l'hanno profondamente influenzata negli ultimi anni.

[eng]

 A woman is scrolling through her cell phone in a park, surrounded by playing children. The film was commissioned in 2021 as part of a project by Punto de Vista Film Festival in which several filmmakers were asked by curators Garbiñe Ortega and Matías Piñeiro to film a letter to a filmmaker they admired. For ( Gibson wrote a love letter to three filmmakers – Barbara Loden, Nina Menkes & Bette Gordon –, women whose voices and characters have influenced her deeply in the last few years.

panorama queer / 19 maggio 2022

I Hope I’m Loud When I’m Dead

TICKET ON LINE > https://www.vivaticket.com/it/biglietto/omaggio-a-beatrice-gibson/182370

[ita]

Il film si apre con l’artista che descrive un momento di paura e poi prosegue giustapponendo filmati della famiglia di Gibson a scene di disordini globali. Sono presenti anche letture dei poeti americani Eileen Myles e C.A. Conrad – la cui poesia dà il titolo al film – insieme a immagini ritrovate e alla colonna sonora di Pauline Oliveros. Nonostante la paura e l’ansia generate da alcune immagini in sequenza rapida, le tenere scene familiari forniscono uno sfondo narrativo di forza e sopravvivenza.

[eng]

The film opens with the artist describing a moment of fear and then goes on to juxtapose footage of Gibson’s family with scenes of global unrest. Readings by American poets Eileen Myles and C.A. Conrad – whose poem supplies the title for this film – also feature, alongside found images and soundtrack by Pauline Oliveros. Despite the fear and anxiety generated by some of the fast-moving footage, tender family scenes provide an overriding narrative of strength and survival.

presenze / 19 maggio 2022

Blue Streak

[ita]
Il secondo movimento della Suite orchestrale n. 3 in Re maggiore di Bach accompagna tre piani sequenza, punteggiati da parole riferite alla sessualità, di donne e uomini nudi all’interno di una stanza, alternati ad altri tre piani sequenza en plein air in cui delle voci fuori campo raccontano con dovizia di dettagli delle esperienze sessuali.
Blue Streak, una dei primi lavori di Mark Rappaport, è una dichiarazione d’intenti, un manifesto programmatico di un autore che contesta la netta separazione tra: cultura alta e cultura bassa; linguaggio aulico, medico, scientifico e linguaggio quotidiano, gergale, volgare; maschile e femminile; umano e animale. E allo stesso tempo è una reinterpretazione personalissima e sovversiva del blue movie. Un invito a tenere in considerazione che ciò si sta cercando possa trovarsi nei luoghi apparentemente più impensabili.

[eng]
The second movement of Bach’s Orchestral Suite n. 3 in D major accompanies three long takes, punctuated by words referring to sexuality, of naked women and men inside a room, alternating with three other long takes en plein air in which off-screen voices tell of sexual encounters in great detail.
Blue Streak, one of Mark Rappaport's first works, is a declaration of intent, a programmatic manifesto by an author who challenges the clear-cut distinction between: high culture and low culture; courtly, medical, scientific language and informal, slang, vulgar language; masculine and feminine; human and animal. And at the same time it is a very personal and subversive reinterpretation of the “blue movie”. An invitation to always take in mind that what you are looking for may actually be found in the most unimaginable places.

presenze / 19 maggio 2022

Debra Paget, For Example

TICKET ON LINE > https://www.vivaticket.com/it/biglietto/debra-paget-e-altri-video-saggi-di-mark-rappaport/182376

[ita]

In poco più di dieci anni di carriera Debra Paget ha collaborato con grandi autori, è stata legata alla 20th Century Fox da un contratto esclusivo e ha cercato di eludere i ruoli stereotipati spesso assegnatile dando prova delle sue doti attoriali, per poi infine eclissarsi al volgere degli anni Sessanta. Debra Paget, For Example è il ritratto di un’attrice promettente, una starlet mai divenuta diva, un corpo sacro e profano, un volto da “Madonna addolorata” e la somma “Principessa del kitsch”: un tassello importante dell’opera di Rappaport che continua a sovvertire il canone cinematografico imperante e questionare la sua autorità nonché a ripensare la storia del cinema come arte della digressione e della fulgida ri-scoperta di ciò che è stato dimenticato, sottostimato o relegato all’irrilevanza.

[eng]

In just over a decade, Debra Paget collaborated with great directors and soon became a contract player at 20th Century Fox. She tried to circumvent the stereotypical roles often assigned to her, and eventually disappeared with a certain hint of mystery at the turn of the 60s. Debra Paget, For Example is the portrait of a promising actress, a starlet who never became a diva, a sacred as well as profane body, the master at the “sorrowful Madonna looks” and the sumptuous “Princess of Kitsch”: an important piece of the work by Rappaport who continues to subvert the cinematic canon while questioning its authority, as well as rethinking the history of film as an art of digression and brilliant re-discovery of what has been neglected, underestimated or relegated to irrelevance.

presenze / 19 maggio 2022

Becoming Anita Ekberg

TICKET ON LINE > https://www.vivaticket.com/it/biglietto/from-the-journals-of-jean-seberg/182380

[ita]

Anita Ekberg debutta all’inizio degli anni Cinquanta: una bionda giunonica che fa perdere la testa agli uomini, una sex symbol esplosiva che, nei film diretti da Frank Tashlin, arriva a guadagnarsi il ruolo di comprimaria della coppia Lewis-Martin. Ma è con i venti minuti più importanti della sua carriera ne La dolce vita (1960) che si trasforma in “dea del sesso”, creatura mitologica immersa nella Fontana di Trevi. Dai tempi di Hollywood o morte! (1956) interpreta se stessa, ma è soltanto in Boccaccio ’70 (1962) che può finalmente diventare Anita Ekberg, un’attrice di fama internazionale. “Diventare Anita Ekberg” implica allora il rimanere immobilizzata in una posa fotografica che amplifichi la sua aura di dea immortale – nell’illusione che sia possibile fermare il tempo – e, parimenti, non essere più in grado di calzare i sandali divini e abbracciare la propria natura mortale.

[eng]

Anita Ekberg makes her debut in the early 1950s: a Junoesque blonde who makes men lose their minds, an explosive sex symbol who, in the films directed by Frank Tashlin, manages to earn the role of supporting actress for the Lewis-Martin duo. But it is with the most important twenty minutes of her career in La dolce vita (1960) that she becomes a "sex goddess", a mythological creature immersed in the Trevi Fountain. Since Hollywood or Bust! (1956) she plays herself, but it is only in Boccaccio '70 (1962) that she can finally become Anita Ekberg, an internationally renowned actress. "Becoming Anita Ekberg" then implies being immobile in a photographic pose that amplifies her aura of immortal goddess – in the illusion that it is possible to stop time – and, likewise, no longer being able to put on the divine sandals, and thus acknowledging to be a mortal creature.

presenze / 19 maggio 2022

Max & James & Danielle…

TICKET ON LINE > https://www.vivaticket.com/it/biglietto/sir-gay-e-altri-video-saggi-di-mark-rappaport/182368

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Quanti altri capolavori avrebbe realizzato Max Ophüls se non ci avesse lasciato a soli 54 anni?, si chiede Rappaport in quest’opera che esterna tutta la sua ammirazione per il grande cineasta tedesco. E, soprattutto, in quali altri modi avrebbe potuto farci apprezzare il talento e la garbata eleganza dei suoi attori prediletti, James Mason e Danielle Darrieux? Max & James & Danielle… è una lettera d’amore per un cinema d’altri tempi, per un mondo che non esiste più o che, forse, non è mai esistito; uno sguardo incantato e una riflessione sullo stile che non si riduce mai in una banale ricorrenza tematica, ma che rivela come un autore vede il mondo e come le sue creature lo abitano e si muovono al suo interno, danzando in sintonia con la macchina da presa, sempre mobile e palpitante come l’animo umano.

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What if Ophüls have lived longer and not died at the age of 54? How many other masterpieces he would have made?, asks Rappaport in this work that expresses all his admiration for the great German filmmaker. And, above all, in what other ways could he have made us appreciate the talent and the graceful elegance of his favorite actors, James Mason and Danielle Darrieux? Max & James & Danielle… is a love letter for a cinema of yesteryear, for a world that no longer exists or that, perhaps, has never existed; an enchanted gaze and a reflection on style that is never reduced to a trivial thematic recurrence, but something which reveals how an author sees the world and how his creatures inhabit it and move within it, dancing in harmony with the camera, always mobile and vibrant like the human soul.